ANAIS- ASSOCIAÇÂO BRASILEIRA DE ETNOMUSICOLOGIA
Anais da Associação Brasileira de Etnomusicologia. Reúne textos aprovados pelos Grupos de Trabalho (GT) realizados nos eventos bianuais da Associação Brasileira de Etnomusicologia.
O Estado da Arte das pesquisas em música sobre Hip Hop no Brasil: Reflexões sobre ausências e silenciamentos
Esta pesquisa teve como propósito investigar as publicações acadêmicas — incluindo anais de congressos, livros e periódicos vinculados à ABEM, ANPPOM e ABET — bem como trabalhos de conclusão de curso, dissertações e teses produzidos nos últimos 25 anos que abordam o tema do Hip Hop no âmbito da Pesquisa em Música. Reconhece-se que, nas áreas das Ciências Humanas Aplicadas, o volume e a diversidade das produções científicas são amplos. Entretanto, constatou-se uma carência significativa de estudos que tratem especificamente da relação entre Hip Hop e Música. Alguns pesquisadores que recentemente se dedicaram ao tema têm apontado a quase ausência de publicações sobre o assunto. Diante dessa constatação, o primeiro passo desta investigação consistiu em identificar e analisar quantitativamente quais e quantas produções acadêmicas discutem o Hip Hop em interface com a Educação Musical, bem como examinar as abordagens teóricas e discussões apresentadas nesses trabalhos.A partir dessa análise inicial, ampliou-se o escopo da pesquisa para abarcar outras subáreas da Música, como Sociologia da Música, Composição, Musicologia, Antropologia da Música e Etnomusicologia, entre outras. Adotando uma metodologia de revisão bibliográfica, o estudo busca contribuir para o avanço das investigações sobre o tema, facilitando a identificação e o acesso às produções existentes. Os resultados preliminares indicam a existência de um número considerável de publicações sobre o tema no campo da Educação Musical, ainda que distribuídas de forma irregular desde a década de 2000 até o presente momento. Em contrapartida, nas demais áreas da Pesquisa em Música observa-se um contingente relativamente expressivo de estudos. Pretende-se, futuramente, organizar e publicar um dossiê dedicado à pesquisa em Música no Brasil e suas intersecções com o Hip Hop.
GT 7- Hip- Hop, Músicas Negras e periféricas: Diálogos e desdobramentos
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ENTRE CORPO, MEMÓRIA E TÉCNICA:Minha Encruzilhada como ferramenta metodológica e epistemológica na formação em música
Este artigo apresenta a dinâmica “Minha Encruzilhada” enquanto ferramenta metodológica e epistemológica, ancorada em perspectivas afro-referenciadas e interseccionais. A proposta, oriunda de uma pesquisa de doutorado em andamento, busca compreender de que forma os atravessamentos raciais reverberam na prática cotidiana de corpos negros, com foco inicial no campo do canto lírico, espaço historicamente marcado por normas eurocêntricas, de branquitude e elitismo. Nesta escrita, analisa-se sua aplicação em duas turmas de Técnica Vocal de uma instituição de ensino superior em música no Brasil. Os resultados apontaram para uma ampliação da escuta e para uma melhora na apropriação técnica, não pela pretensa neutralidade, mas pelo reconhecimento do corpo como geografia encarnada, onde memória e ancestralidade se tornam centrais na formação vocal. Inspirada na simbologia da encruzilhada nas tradições afro-brasileiras, a metodologia articula o OLHO (núcleo essencial do ser) e as PERNAS (como caminhos de mobilidade e transformação que partem desse centro), valorizando trajetórias, vivências e experiências que desafiam paradigmas hegemônicos. Partindo de uma abordagem qualitativa (ANDRÉ, 2013) e de uma metodologia afro-referenciada (MACHADO, 2019), a pesquisa dialoga com autoras e autores negros que tensionam epistemologias dominantes, tanto na educação musical quanto em campos que atravessam a formação e atuação musical nesse contexto. Assim, mobiliza discussões sobre racismo e branquitude (CARNEIRO, 2019; KILOMBA, 2020; BENTO, 2022), educação musical decolonial (SODRÉ, 2020 e SOUZA, 2020). A ferramenta metodológica utilizada inicialmente foi a Conversa (RIBEIRO; SAMPAIO; SOUZA, 2023), articulada à concepção de encruzilhada (MARTINS, 2021; RUFINO, 2019) e à noção de escrevivência (EVARISTO, 2020).
GT 14- Conexões entre Etnomusicologia e Educação Musical: musicalidades, práxis de resistência e caminhos decoloniais
AS CONFLUÊNCIAS DE LUPICÍNIO RODRIGUES: Um estudo etnomusicológico preliminar
A presente comunicação etnomusicológica estuda as confluências (Santos, 2015) entre a obra de Lupicínio Rodrigues e a canção latino-americana, destacando aproximações entre samba-canção, bolero, tango e outras expressões musicais do continente. Busca-se compreender como as composições de Lupicínio dialogam com diferentes tradições musicais e culturais latino-americanas, a partir de vivências, depoimentos de intérpretes e análises de trânsitos musicais que transformaram suas canções em outros gêneros (Silva, 2022; Araújo, 1999). A pesquisa também reflete sobre a preservação do patrimônio imaterial, relacionando a trajetória do compositor com debates atuais sobre políticas culturais e salvaguarda da memória boêmia (Granados García; Ashley, 2023). A metodologia adota uma abordagem etnomusicológica com fundamentação fenomenológica (Mukuna, 2024) e utiliza a autoetnografia como ferramenta criativa (Gama, 2023) para construir a narrativa e ampliar a compreensão das experiências de campo. O estudo combina observação-participante em contextos musicais, registros de vivências pessoais, análise documental e entrevistas com músicos e cantores de diferentes países latino-americanos, além da análise de fonogramas e versões estrangeiras das composições de Lupicínio. As análises apontam que, ao serem reinterpretadas como bolero, tango ou guarânia, as canções de Lupicínio se inserem em uma rede de hibridismos musicais que transcende fronteiras nacionais, evidenciando pontes estéticas e emocionais comuns na música popular latino-americana. Os trânsitos sonoros e poéticos indicam que sua obra, mesmo sem reconhecimento formal como patrimônio, configura-se como bem imaterial de relevância continental. Em um momento posterior, desenvolveu-se um artigo em coautoria com Reginaldo G. Braga, a partir da presente comunicação preliminar, aprofundando o debate científico.
GT 12- Etnomusicologia Negra Amplificando Vozes: A valorização de saberes no institucional
O CAVAQUINHO:Transformações sônicas e as práticas socioculturais
Este artigo propõe uma investigação sobre as transformações sônicas e as práticas socioculturais envolvendo o cavaquinho nas práxis musicais das rodas de samba realizadas entre janeiro de (2024) e outubro de (2025) no Batatinha Bar, localizado na cidade de Salvador. O cavaquinho, instrumento de origem portuguesa, difundiu-se globalmente por meio da colonização e da diáspora africana, tendo presença marcante no lundu e consolidando-se como instrumento de referência no choro e samba. O estudo se fundamenta na perspectiva da Etnomusicologia Negra (Rosa, 2024 e 2020), e apoia-se nas referências de renomados musicólogos e etnomusicólogos africanos, como Nketia (1963), Mukuna (2020) e Agawu (2016). Busca-se compreender não apenas as dimensões técnicas e estéticas do instrumento, mas também seu papel enquanto agente cultural (Kuluka, 2013) e político na construção das identidades negras na cidade de Salvador e nas rodas de samba do Batatinha. Dessa forma, o presente estudo pretende revelar as dinâmicas de poder, resistência e criatividade presentes nas práticas musicais associadas ao cavaquinho, contribuindo para uma valorização crítica da produção cultural negra e afro-brasileira nos debates acadêmicos contemporâneos. Além disso, enfatiza-se a importância do cavaquinho como símbolo vivo da interlocução entre tradição e inovação nas expressões culturais negras em Salvador.
O USO DE ELEMENTOS AUDIOVISUAIS NO ENLACE ENTRE ETNOMUSICOLOGIA NEGRA E ESTUDOS DE HIP HOP: Mapeamento da literatura desde à Etnomusicologia Audiovisual
A proposta que trago é um desdobramento inicial de minha pesquisa de pós-doutorado, em que busco, enquanto objetivo geral, mapear – desde o campo da Etnomusicologia Audiovisual – a produção acadêmica que articula elementos audiovisuais no cruzamento entre Etnomusicologia Negra e Estudos de Hip Hop, e enquanto objetivos específicos: 1. identificar, analisar e sistematizar temas, autores, linhagens teóricas e/ou conceituais, métodos e/ou metodologias de dentro do campo da Etnomusicologia Audiovisual; 2. compreender os modos como o audiovisual tem sido empregado como método, dado ou linguagem de expressão etnográfica em pesquisas etnomusicológicas cujo fenômenos de estudo articulem relações com a cultura Hip Hop e/ou com contextos afro-diaspóricos e/ou com abordagens afrocentradas e/ou que potencializem conceitos como negritude e agenciamento de culturas musicais negras; 3. sistematizar abordagens metodológicas da Etnomusicologia Audiovisual objetivando suas aplicações em articulação dialógica aos campos de estudos da Etnomusicologia Negra e dos Estudos de Hip Hop; 4. reconhecer lacunas e potenciais direções para investigações futuras. Pretendo adotar - levando em conta adaptações que se fizerem necessárias a um mapeamento etnomusicológico - o protocolo metodológico para revisões de escopo proposto pelo Joanna Briggs Institute (JBI), bem como o checklist PRISMA-ScR. As etapas previstas para a realização da pesquisa, distribuídas em um cronograma de 12 meses, incluem, inicialmente, a delimitação do problema/questão de pesquisa; o levantamento e a triagem sistemática de estudos em bases acadêmicas; a extração de dados; a categorização temática; a análise crítica da literatura incluída; e a síntese narrativa dos resultados da análise.
CANTO LÍRICO: Um relato de experiência sobre os atravessamentos de raça, gênero e sexualidade dentro e fora da Universidade
O presente trabalho é um relato de minhas experiências dentro e fora da Universidade. Busco apresentar as relações entre masculinidades, gênero e sexuaidade como atravessamentos importantes na vida dos homens negros afeminos trazendo a importância da presença de pessoas negras e populações LGBT+ em todos os espaços da universidade. Além disso, mostro meu percurso no projeto NEOJIBA e na Universidade Federal da Bahia como dois espaços que precisam ser ressignificados e mais inclusivos. O trabalho tem como fundamentação teórica a etnomusicóloga Eurides de Souza Santos (SANTOS, 2022) primeira mulher negra, primeira doutora, professora Universitária formada em música na Universidade Federal da Bahia, sendo importante para que eu pensasse o racismo estrutural e institucional como um problema que impede pessoas negras de inserir-se no canto lírico. Assim como os atravessamentos de masculinidades a partir do trabalho de Daniel dos Santos (2019) Espero com o presente trabalho dar contribuições importantes aos estudos em música trazendo a importância de nossos corpos estarem presentes nas universidades.
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CANTO LÍRICO E SEUS DESAFIOS: um relato de sobrevivências, resistências e existências dentroe fora da universidade
Este trabalho apresenta um relato de experiência sobre a trajetória de um cantor lírico negro, LGBTQIAPN+ e oriundo da periferia de Salvador, explorando vivências dentro e fora da Universidade Federal da Bahia. A partir de memórias musicais e pessoais, o texto percorre desde a formação inicial em ambientes não formais — como o convívio musical familiar, o trabalho no camelódromo e a participação em projetos sociais — até a inserção no canto erudito e na música popular, incluindo a atuação como backing vocal na Axé Music. A pesquisa problematiza as barreiras enfrentadas por estudantes negros no ensino superior, como o racismo estrutural, a falta de políticas de permanência e a desvalorização de saberes prévios no ensino acadêmico. O relato também evidencia a complementaridade entre canto lírico e popular, demonstrando como práticas pedagógicas mais inclusivas, interdisciplinares e sensíveis às realidades sociais potencializam a formação técnica e artística. A experiência reforça a importância de reconhecer as múltiplas formas de sobrevivência, resistência e existência na construção de trajetórias musicais no Brasil.
O PAPEL DO MOVIMENTO NEGRO EDUCADOR DA NAÇÃO XAMBÁ: patrimônio para quem?
Considerada a única Nação de tradição Xambá na América Latina, esse povo é detentor de uma trajetória construída com forte incidência política, procedente de sua atuação enquanto Movimento Negro. Este trabalho visa analisar o papel de “movimentos negros educadores” no fortalecimento cultural e institucional, sob o olhar da etnomusicologia negra, em especial, no Terreiro Xambá, Olinda-PE. O estudo de caso foi realizado numa abordagem qualitativa participativa, em planejamento de ações, com entrevistas abertas e observação direta, junto aos interlocutores do movimento. A Nação Xambá, no Ilê Axé Oyá Meguê, foi fundada em 1930, liderada inicialmente por mulheres negras e atualmente guiada pelo Doutor Honoris Causa e Babalorixá Ivo de Xambá, situado num dos primeiros Quilombos Urbanos demarcados no nordeste brasileiro. Diversos espaços de construção e ressignificação da memória e dinâmicas culturais integram as organizações comunitárias, com destaque para o “Memorial da Xambá” o Resgate de uma Herança, pós-ditadura dedicado às histórias de Matriz Africana, a centenária tradição do Coco da Xambá, o Centro Cultural Bongar, os grupos de mulheres, jovens e crianças, numa diversidade rítmica afroindígena, de projeção local à internacional, o rico acervo de plantas manejadas para práticas de cuidados tradicionais e sagrado (patrimônio biocultural), como ações políticas no território. As habilidades de agência frente à estrutura do racismo, inclusive institucional, bem como estratégias organizacionais na defesa da herança cultural, musical e ambiental, fazem da Xambá um forte “agente educador” que transmite saberes emancipatórios e impactam politicamente para sociedades mais justas e plurais, num pacto ecossocial.
Este presente trabalho é fruto de uma pesquisa sobre as matriarcas do samba de roda do recôncavo baiano, teve como inspiração o texto de Jurema Pinto Werneck (Werneck, março de 2007) que trata do protagonismo das mulheres negras no samba. O objetivo deste trabalho é apresentar a riqueza que existe nesta região tão importante do estado da Bahia tendo como referência Etnomusicologia Negra (Rosa,2020) que visa valorizar a produção de conhecimento das pessoas negras. O Recôncavo Baiano é uma região geográfica e cultural localizada no estado da Bahia, Brasil, ao redor da Baía de Todos os Santos. É conhecido pela sua rica história e cultura afro-brasileira. Inclui diversas cidades históricas e importantes, como Cachoeira, São Félix, Santo Amaro da Purificação, Maragogipe, Nazaré das Farinhas, São Francisco do Conde, Saubara, Salinas da Margarida e Santo Antônio de Jesus, esta última conhecida como a "Terra das Palmeiras". Região de vital importância para a cultura baiana, traz o samba de roda liderado por mulheres negras como um de seus principais pilares. Mulheres como Dona Madalena que nos traz o Samba do Machucador de Cruz das Almas, Dona Edith do prato de Santo Amaro da Purificação, Dona Zelita de Saubara, Nicinha do Samba de Santo Amaro da Purificação, Dona Aurinda do Prato do Samba Chula da Ilha de Itaparica, e muito embora Salvador nçao faça parte do recôncavo, não poderia deixar de citar Dona Maria de Xindó fundadora das Ganhadeiras de Itapuã.
O SOM DA FÉ: PERFORMANCE MUSICAL E RITMOS NA IGREJA
Uma abordagem geral sobre como diferentes ritmos musicais são utilizados nas igrejas e como influenciam a performance dos músicos e a participação dos fiéis. Apresenta uma reflexão a partir de um vídeo produzido com o objetivo de compreender os processos musicais e performáticos presentes nos cultos da Igreja Evangélica Assembleia de Deus. A pesquisa, de abordagem qualitativa e com inspiração etnomusicológica, considera a performance musical no contexto litúrgico como expressão de fé, identidade e comunhão. Através da observação da prática musical em cultos e gravações audiovisuais, o estudo analisa os elementos rítmicos, corporais e espirituais que compõem o fazer musical assembleiano. Discute-se a força simbólica da música como veículo de espiritualidade e emoção, bem como sua função pedagógica e formativa dentro da comunidade religiosa. A performance é compreendida como prática viva de transmissão de valores, onde música, corpo e fé se entrelaçam, revelando uma pedagogia sensível, afetiva e baseada na vivência coletiva. Este trabalho está alinhado com a proposta da Etnomusicologia Negra (Rosa, 2020) e tem como referência as autoras Miriam Oliveira (2018) e Portia Maultsby (2015), que têm discutido, no campo da Etnomusicologia, a música religiosa cristã. Por fim, aponta-se a importância de reconhecer as expressões musicais das igrejas evangélicas como parte das múltiplas sonoridades e identidades da cultura brasileira.
Este trabalho analisa a atuação de pessoas pretas/negras no forró. Há evidências de que o gênero musical é originário de populações afrodiaspóricas e de que, no âmbito da indústria, foi historicamente construído pela agência de artistas negros, como Luiz Gonzaga e Jackson do Pandeiro — um legado que se estende aos dias de hoje. Apesar da presença inquestionável de artistas pretos, o cenário atual evidencia a pouca afirmação explícita da identidade racial como ferramenta de combate ao racismo e de luta pela dignidade e pelo respeito, manifestações tácitas do que denomino "racismo brando". Diante disso, este artigo busca responder a duas questões centrais: Como o racismo brando se manifesta nos ambientes sociais do forró? Como as pessoas que sofrem o racismo brando o enfrentam? A abordagem teórico-metodológica combina a etnomusicologia e a antropologia, utilizando dados de pesquisas realizadas pelo autor, especialmente do Inventário do Forró Tradicional no Interior de Pernambuco, que levantou informações sobre os praticantes em treze municípios. Serão apresentados dados quantitativos sobre a participação de músicos negros e dados qualitativos sobre sua percepção acerca da negritude e do racismo, destacando como se sentem afetados por ele. O objetivo é evidenciar a atuação negra, compreender os meandros do racismo brando e do seu enfrentamento por parte de pessoas que se investem da “negritude” (Munanga, 2020) – entendida como um modo de agência negra – para levar adiante o seu trabalho no âmbito do forró.
O Nordeste subliminar na canção "Joia de Jade", de Belchior.
Resumo Este artigo propõe uma análise da canção "Joia de Jade", composta por Belchior em parceria com Dominguinhos, com foco na identificação de elementos culturais nordestinos presentes de forma implícita na obra. Embora Belchior tenha frequentemente declarado rejeitar a folclorização da música nordestina, sua produção artística evidencia, ainda que de maneira velada, influências que remetem à tradição e à estética da região. A partir de uma escuta atenta e da leitura crítica da letra da canção, observa-se a presença de referências à religiosidade católica, à poesia concreta e a estruturas poéticas ligadas ao universo nordestino, como o aboio e o canto dos violeiros. No campo musical, a análise evidencia o uso dos modos dórico, lídio, mixolídio e de construções harmônicas que remetem ao baião e ao jazz, refletindo a sofisticação estética característica de Belchior. O arranjo da faixa revela um cuidado composicional que mistura elementos jazzísticos elaborados e elementos populares tradicionais, reforçando a proposta de um Nordeste cosmopolita, que se opõe às expectativas simplificadoras do mercado fonográfico. A parceria com Dominguinhos, ainda que mais perceptível na música do que na construção da letra, reforça esse elo simbólico com a tradição regional. Através dessa análise, conclui-se que "Joia de Jade" representa uma síntese poética e musical da pluralidade nordestina, ao mesmo tempo em que afirma a originalidade e a profundidade da obra de Belchior dentro da música popular brasileira.
GT 02- Políticas da escuta na etnomusicologia: a que(m) ouvimos?
Belchior; Joia de Jade; música popular; nordestinidade; análise musical; poesia; identidade cultural.
PRÁTICA VOCAL, MEMÓRIAS E PERFORMANCES: RELATOS DA COSMOVISÃO CRISTÃ EM MÚSICA NA IGREJA BATISTA CAIÇARA
Este trabalho é fruto de uma pesquisa sobre a prática vocal, memórias e performances musicais na Igreja Batista Jardim Caiçara, relatando vivências pessoais e referenciais teóricos que destacam a relevância da música no contexto cristão da denominação batista. O objetivo é apresentar a trajetória musical dessa igreja e seu coro principal compostos pelos próprios membros, evidenciando seu papel como instrumentos de edificação espiritual, socialização e formação. A Igreja Batista Jardim Caiçara nasceu a partir de uma congregacional Igreja Batista de Brotas, com sua estrutura organizacional democrática e participativa, reflete os princípios batistas de liberdade religiosa, individual e eclesiástica, valorizando a música como parte central do culto na vida comunitária. O Coro Vozes de Sião, criando ainda na fase de congregação, passou por diferentes lideranças cada uma contribuindo para a ampliação do repertório, aperfeiçoamento técnico e formação de novos grupos como coros infantis, femininos e masculinos. Destacam-se figuras como regente Dias, Luciene Rosário e Ivan Nascimento, que deixaram um legado de compromisso musical e espiritual. Desde que assumi a liderança 2023 como ministro de música, o coro tem buscado integrar metodologias de ensino acessíveis e técnicas vocais do canto lírico adaptadas à realidade congregacional com práticas que incentivam a percepção rítmica, harmônica e a expressividade. O repertório mescla hinos tradicionais, música gospel contemporânea e arranjos inspirados no black música, mantendo a centralidade da mensagem cristã, revelando que a música quando vivida intencionalmente para fortalecimento a comunhão, desenvolve habilidades musicais e amplia a participação comunitária. O Coro Vozes de Sião, como principal pilar coral musical na igreja, continuar seus estudos e evolução técnica comunitária, quando os trabalho com crianças e adolescentes busca garantir a comunidade cristã uma herança musical. Palavras- chave: Música Cristã – Black Music – Batistas Brasileiros Abstract: This work is the result of research on vocal practice, memories, and musical performances at the Jardim Caiçara Baptist Church, reporting personal experiences and theoretical references that highlight the relevance of music in the Christian context of the Baptist denomination. The objective is to present the musical trajectory of this church and its main choir, composed of its own members, highlighting its role as instruments of spiritual edification, socialization, and formation. The Jardim Caiçara Baptist Church originated from a congregational Baptist Church in Brotas, and its democratic and participatory organizational structure reflects the Baptist principles of religious, individual, and ecclesiastical freedom, valuing music as a central part of worship in community life. The Voices of Zion Choir, created during the congregational phase, went through different leaderships, each contributing to the expansion of the repertoire, technical improvement, and the formation of new groups such as children's, women's, and men's choirs. Figures such as conductor Dias, Luciene Rosário, and Ivan Nascimento stand out, leaving a legacy of musical and spiritual commitment. Since assuming leadership as music minister in 2023, the choir has sought to integrate accessible teaching methodologies and vocal techniques of operatic singing adapted to congregational reality with practices that encourage rhythmic and harmonic perception and expressiveness. The repertoire blends traditional hymns, contemporary gospel music, and arrangements inspired by black music, maintaining the centrality of the Christian message, revealing that music, when intentionally experienced to strengthen communion, develops musical skills and expands community participation. The Voices of Zion Choir, as the main musical choral pillar in the church, continues its studies and technical community development, while its work with children and adolescents seeks to guarantee the Christian community a musical heritage. Keywords: Christian Music – Black Music – Brazilian Baptists
O humano no algoritmo: Uma etnografia virtual junto a usuários da plataforma musical Suno AI
Nos últimos anos, o campo da criação musical com inteligência artificial (IA) tem passado por transformações radicais. Onde antes predominava a pesquisa acadêmica e a arte de vanguarda, hoje se observa a proliferação de plataformas de IA comerciais que prometem democratizar a composição musical através de ferramentas que geram canções em segundos. Alguns aspectos desse desdobramento tem atraído críticas, como o uso indevido de obras protegidas por direitos autorais e a depreciação do trabalho musical. Os defensores da música de IA, por sua vez, consideram que o avanço tecnológico é inevitável, e que seus benefícios compensarão os prejuízos. A fim de compreender mais a fundo esse posicionamento, venho desenvolvendo um trabalho etnográfico online junto a usuários e entusiastas de uma dessas plataformas, o Suno AI. Através da observação participante em redes sociais como o Reddit e o Discord, tenho investigado temas como os processos de criação musical, a solidariedade entre estranhos na internet, a estética da IA, as crenças e convicções de seus usuários, e os incentivos para a difusão desses conteúdos. Em uma análise preliminar, as inovações mais relevantes na criação musical com o Suno tem sido lideradas pelos usuários, que exploram rotineiramente os usos imprevistos, inapropriados, virtuosísticos e até ilícitos da tecnologia. E embora seja cedo demais para dizer se esse tipo de ferramenta será relevante em um cenário mais amplo, é seguro afirmar que a comunidade do Suno já opera como um nicho ou movimento musical autônomo.
GT 5- Música, som e tecnologia: instrumentos de saber- instrumentos de poder
O HIBRIDISMO MUSICAL NO FREVO DE RUA: a influência da rítmica africana na constituição do gênero
Este trabalho discute a influência da rítmica de origem africana na constituição do frevo de rua, gênero identitário da cultura musical de Pernambuco e uma das manifestações artísticas mais representativas do estado. A pesquisa parte da seguinte questão: como a fusão de elementos da rítmica africana incidiu na transformação da marcha, contribuindo para a criação do frevo? Originado no Recife, desde finais do século XIX, o frevo foi construído a partir de múltiplas influências, entre elas o dobrado, a polca e o maxixe, conforme aponta o maestro Edson Carlos Rodrigues (2002). Nesse processo de hibridismo, como ressalta José Amaro da Silva (2011, p. 172), observa-se que “quando começam a surgir esboços de música já com fusões raciais, nessa fusão predomina a melódica europeia e a rítmica africana”. A fundamentação teórica apoia-se em Néstor García Canclini e Acácio Tadeu de Camargo Piedade, para a compreensão do conceito de hibridismo sócio/cultural e musical respectivamente, e em Carlos Sandroni e Simha Arom para os conceitos de contrametricidade e imparidade rítmica. A abordagem teórico-metodológica está vinculada à musicologia e etnomusicologia e integra a pesquisa que desenvolvo no mestrado em Música na UFPE. A análise será realizada a partir de trechos de partituras, buscando identificar como esse elemento rítmico-africano se manifesta no frevo de rua. Pretende-se, assim, demonstrar como a síncope, bem presente na cultura musical de origem africana, constitui um aspecto estruturante da sonoridade do gênero frevo, reforçando seu caráter híbrido e sua relevância como expressão de resistência cultural no contexto pernambucano. Palavras-chave: frevo; hibridismo; rítmica de origem africana/síncope, contrametricidade/ imparidade rítmica. MUSICAL HYBRIDISM IN STREET FREVO: The influence of African rhythm on the constitution of the genre Abstract: This paper discusses the influence of rhythm of African origin on the constitution of street frevo, an identity genre of Pernambuco's musical culture and one of the state's most representative artistic manifestations. The research is based on the following question: how did the fusion of elements of African rhythm impact the transformation of the march, contributing to the creation of frevo? Originating in Recife since the late 19th century, frevo was built from multiple influences, including the dobrado, the polka, and the maxixe, as pointed out by maestro Edson Carlos Rodrigues (2002). In this process of hybridism, as noted by José Amaro da Silva (2011, p. 172), it is observed that 'when sketches of music already with racial fusions begin to emerge, in this fusion European melody and African rhythm prevail.' The theoretical foundation is based on Néstor García Canclini and Acácio Tadeu de Camargo Piedade, for understanding the concept of socio/cultural and musical hybridism respectively, and in Carlos Sandroni and Simha Arom for the concepts of countermeter and rhythmic oddness. The theoretical-methodological approach is linked to musicology and ethnomusicology and is part of the research I am developing in the Master's program in Music at UFPE. The analysis will be carried out using excerpts from sheet music, aiming to identify how this African rhythmic element manifests in street frevo. The aim is, therefore, to demonstrate how syncopation, very present in the musical culture of African origin, constitutes a structuring aspect of the sound of the frevo genre, reinforcing its hybrid character and its relevance as an expression of cultural resistance in the Pernambuco context. Keywords: frevo; hybridism; rhythm of African origin/syncopation; countermeter/ rhythmic oddness.
frevo; hibridismo; rítmica de origem africana/síncope, contrametricidade/ imparidade rítmica.
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Música e Saúde Mental - A ambiguidade do impacto da música em quem faz e em quem ouve
Este artigo investiga a ambiguidade do impacto da música na saúde mental de artistas e receptores, centrando-se nas experiências de populações periféricas, negras e marginalizadas no Brasil. Adotando uma abordagem interdisciplinar (filosofia, estudos culturais, feminismos negros), explora como a música opera simultaneamente como ferramenta de cura e resistência e é também espaço de vulnerabilidade e sofrimento. A música possui potência ambivalente para a saúde mental. Para o receptor, atua na regulação emocional e fomenta conexão comunitária. Em contextos de vulnerabilidade, espaços como saraus (exemplificado pelo estudo "Sarar-Sopapar-Aquilombar", 2019) são vitais para elaborar sofrimentos e fortalecer identidades coletivas, promovendo cura e pertencimento. Angela Davis (1999) demonstra como o blues, ao nomear violências e sofrimentos, rompeu silêncios impostos às mulheres negras, transformando dores individuais em narrativas coletivas de resistência. Assim, a música funciona como fio condutor para resiliência e conexões que transcendem o individual. Contudo, o campo artístico impõe pressões sociais e estruturais que afetam negativamente a saúde mental dos criadores. Esta ambiguidade não é inerente à arte, mas resulta de estruturas desumanizantes que convertem expressão em mercadoria e cura em espetáculo. Enquanto fortalece receptores, a música pode fragilizar criadores. Sua potência emancipatória reside na capacidade de transmutar sofrimento em resistência e criar vínculos coletivos. Para realizá-la plenamente, é imperativo confrontar as desigualdades estruturais que atravessam os corpos e vozes que transformam a arte em campo de potência de vida e transformação coletiva.
José do Carmo (José César de Lima): Um panorama do Choro em Pernambuco
José do Carmo (1899-1977) foi um músico, violonista e compositor de choros que atuou toda sua vida no Recife. Participando da Rádio Clube do Recife entre 1937 até a sua morte, exerceu e recebeu influências de músicos da cena do choro no Recife do século XX, como Canhoto da Paraíba e Rossini Ferreira. Sua atuação como solista se destacou na época, embora tenha pouca repercussão nos dias de hoje. Em 1959, junto a estes colegas, sua esposa Melita, Dona Ceça e João Dias, é recebido na casa do carioca Jacob do Bandolim, que valoriza o musicar dos pernambucanos, produzindo uma série de documentos destes para o seu acervo pessoal, contando com fotos e fonogramas. Compreendemos que José do Carmo atua a partir de sua realidade, incorporando sua voz pessoal a elementos culturais compartilhados. Para analisarmos a atuação do músico, utilizamos a metodologia de Timothy Rice (1987), que se baseia em um triângulo dialético entre indivíduo, sociedade e construção histórica. Sendo assim, observamos na obra de José do Carmo uma coerência com a história da cidade do Recife, além da influência de estruturas sociais como a rádio, sendo a agência do indivíduo dialeticamente responsável pela construção de sua estética musical a partir de seu contexto.
GT 3- Abordagens biográficas em Etnomusicologia
Os 84 anos da Ala de Compositores da Mangueira: Homenagem a Jorge Zagaia
O presente trabalho apresenta uma das etapas da pesquisa-ação participativa em andamento sobre a Ala de Compositores da escola de samba Estação Primeira de Mangueira. O artigo analisa a festa de comemoração dos 84 anos da ala, realizada em 22 de janeiro de 2023, ocasião em que também se homenageou o centenário de Jorge Zagaia, compositor fundador do grupo, a partir da perspectiva de um pesquisador-compositor, membro da ala e colaborador ativo em suas atividades. A pesquisa acompanhou todas as etapas do evento, da organização aos desdobramentos posteriores, articulando observação, prática musical e participação coletiva. A proposta inicial da roda privilegiava o canto coletivo, inspirado em rodas e ensaios das décadas de 1950 e 1960, mas questões internas relativas à adesão dos compositores, ao domínio do repertório e às expectativas individuais de protagonismo transformaram o formato previsto. Essas dinâmicas e conflitos evidenciaram distintas concepções por parte dos compositores acerca do papel da ala dentro da agremiação, bem como diferentes entendimentos sobre memória, formas de condução musical, tradição, modernidade e autenticidade. O episódio marcou uma das primeiras iniciativas da diretoria que passou a comandar a ala de compositores da Mangueira no intuito de estabelecer formas de negociação dentro da própria escola e ressignificar o papel contemporâneo da ala de compositores, outrora reconhecida como elite intelectual da Mangueira, e hoje empenhada em reestabelecer seu prestígio no seio da agremiação.
GT 11- Música, territórios e encontros: a sonoridade das f(r)estas
Cenas contemporâneas do Rap em Porto Alegre: esboços etnográficos das práticas sonoro-musicais em uma gravadora independente da zona norte de Porto Alegre (RS)
Neste trabalho, apresentamos o percurso de uma pesquisa de Doutorado em andamento através de interlocuções com MCs, DJs, beatmakers e produtores musicais que, há quase uma década, iniciaram suas trajetórias no Hip Hop desde as periferias de Porto Alegre em Batalhas de rima e competições de poesia falada conhecidas como slams. Acompanhamos a veiculação de suas produções fonográficas, realizadas a partir de 2018, em uma gravadora independente radicada em um bairro popular da zona norte da capital, dentre os mais atingidos nas enchentes de maio de 2024. Na conjuntura pós-pandêmica e pós-enchentes de reestruturação de ecossistemas locais da música, temos seguido os trânsitos que efetuam entre diversas vertentes do Rap difundidas após a emergência do trap no cenário nacional. Dentre tais variantes musicais, chamam atenção o grime e do UK drill, estéticas sonoras gestadas, respectivamente, nos anos 2000 e 2010, desde socioacústicas da violência de bairros do leste e sul de Londres, marcados pela presença significativa de imigrantes africanos e afro-caribenhos. Indagamos, então: quais os sentidos atribuídos por hip-hoppers locais a tal aproximação com estes e demais gêneros britânicos de música eletrônica negra; e quais as potenciais implicações políticas da incorporação de sensibilidades acústicas e modos de sociabilidade e circulação musical do sound system jamaicano em sua atuação no cenário do Rap local? Na interface entre práticas de estúdio e de sound system, esperamos construir fios sonoro-etnográficos a fim de interpelar estas experiências sônicas da localidade em sua atribuição de viínculos identitários com os futurismos sonoro-musicais do Atlântico Negro.
PEGADAS, MARCAS E RESISTÊNCIAS: Folguedos de Boi no Rio Grande do Sul
Pegadas e marcas foram deixadas no solo e na história do Rio Grande do Sul por meio de trânsitos, deslocamentos e processos (i)migratórios e autóctones constitutivos da formação do estado. Nesse contexto, as identidades culturais negras e indígenas, historicamente marginalizadas, foram atravessadas por dinâmicas de branqueamento e racialização, que contribuíram para o apagamento de suas presenças nas narrativas hegemônicas das tradições culturais gaúchas. Este trabalho apresenta reflexões e resultados parciais de uma pesquisa etnomusicológica em andamento sobre os folguedos de Boi no Rio Grande do Sul, com base em trabalho de campo realizado entre 2025 e 2026 nos municípios de São Jerônimo e Encruzilhada do Sul. Tradicionalmente associados às regiões Norte e Nordeste do Brasil, os festejos ligados a figura do Boi, também se fazem presentes no território sul-rio-grandense, ainda que historicamente invisibilizados nos discursos dominantes sobre a cultura local. A partir de uma abordagem etnográfica, o estudo articula análise documental, observação participante, registros audiovisuais e escuta de narrativas de brincantes e Mestres. Ao longo de dois anos de inserção em campo, foi possível acompanhar festejos, modos de organização comunitária e processos de transmissão de saberes. O trabalho busca mapear e analisar essas manifestações, refletindo sobre seus significados sociais, musicais e culturais, bem como sobre seus processos históricos de invisibilização e resistência que as atravessam no contexto gaúcho.
Tradições Culturais de Boi no Rio Grande do Sul
Etnobiografia e multimodalidade: reflexões a partir da colaboração com Julio Valverde
Recentemente, trabalhos no campo da antropologia multimodal (COLLINS, DURINGTON e GILL, 2017) têm defendido a realização de pesquisas que ultrapassem o formato escrito, buscando desafiar os limites convencionais da descrição e representação etnográficas, assim como promover práticas acadêmicas mais inclusivas, reflexivas e colaborativas. Nesta comunicação, a partir da discussão de diferentes produtos (livro, filme, álbum musical e site) derivados da minha pesquisa de pós-doutorado sobre o compositor e cozinheiro Julio Valverde, pretendo refletir sobre o potencial da abordagem multimodal no fazer etnobiográfico (GONÇALVES, 2012), abarcando as dimensões da invenção, representação, colaboração e difusão. Busco também destacar a importância de que etnomusicólogos estejam dispostos a se “multiletrar” (NEW LONDON GROUP, 1996), de modo que os formatos de elaboração e compartilhamento dos produtos de pesquisa correspondam aos interesses e expectativas do músico que narra sua história de vida.
ESCUTAR A SEMENTE, CANTAR O REMÉDIO. Saberes endógeno, ancestralidade e a musicalidade em comunidades quilombolas da Bahia
Esta pesquisa tem o intuito de conectar a prática de criação musical com a perspectiva de preservação e difusão dos saberes tradicionais ligados aos usos medicinais, alimentícios e ritualísticos de plantas na comunidade quilombola do Boqueirão, localizada na cidade de Teolândia - Baixo Sul - Bahia. São também parte das intenções que movem este projeto investigar quais fluxos de intercâmbios de espécies vegetais e quais processos de transmissão de saberes sobre os cuidados espirituais e em saúde se conectam a determinados movimentos musicais e poéticos afro-indígenas brasileiros. Compreendendo a musicalidade de um povo como campo de produção, revelação e perpetuação de conhecimento, este estudo se propõe a alinhar as observações e investigações sobre os conhecimentos e usos de plantas na comunidade mencionada a tecnologias de criação musical em conexão. Tendo como inspiração os estudos de alguns pesquisadores e pensadores como Nketia (1963), Agawu (2016), Bunseki Fu-Kiau (2015) e Lêda Maria Martins (2021; 2022), esta pesquisa busca valorizar a produção de conhecimento de raiz africana através de uma etnomusicologia negra. A proposta é promover um processo de pesquisa associado à criação de canções a partir dos saberes sobre cultivo e uso medicinal-alimentício de plantas, e da observação da musicalidade local.
: Musicalidade; práticas culturais; etnomusicologia; memória
KOFI AGAWU: VIDA E LEGADO. A importância da produção acadêmica de autores/as negros/as na etnomusicologia
O presente estudo pretende apresentar a biografia de Victor Kofi Agawu, assim como sua bibliografia e principais estudos e discussões no campo da etnomusicologia. Isso será feito como forma de remontar uma tradição etnomusicológica de Gana, iniciada por J.H. Kwabena Nketia em seus estudos sobre música e cultura africanas. Inspirada nas aulas de Etnomusicologia Negra, ministradas pelo Professor Doutor Pedro Fernando Acosta da Rosa, no Curso de Música da Universidade Federal da Bahia (UFBA), essa apresentação busca ressaltar a valorização do trabalho de autores/as negros/as no campo da etnomusicologia. Para tal, o trabalho irá expor o capítulo “Music and/in Society” (Música e/na Sociedade) do livro “The African Imagination in Music” (O Imaginário Africano na Música, 2016), escrito por V. Kofi Agawu, como forma de evocar seu legado e a importância de seus estudos a partir do questionamento d
V. Kofi Agawu; Etnomusicologia Negra; Música e Cultura Africanas.
Da Guitarrada do Pará à Surf Music Instrumental: Conexões caribenhas sob uma perspectiva etnomusicológica
O presente estudo investiga as conexões entre a atual cena Surf Music instrumental brasileira e a Guitarrada da região Norte do Brasil, enfatizando sua relação com a música caribenha. A Surf Music, surgida nos Estados Unidos nos anos 1960 por grupos como The Beach Boys e The Ventures, caracteriza-se pelo uso da guitarra elétrica com efeitos de reverberação que emulam sonoridades oceânicas. No Brasil, especificamente na região Norte, a Guitarrada manifesta como um gênero instrumental que combina influências da música latina, caribenha e amazônica, tendo como expoentes mestres como Vieira e Aldo Sena. Busca-se compreender como duas distintas tradições musicais compartilham elementos estilísticos, timbrísticos e estruturais. O vínculo da Guitarrada com a cultura caribenha, como o merengue e a cumbia, como essas influências se manifestam na construção melódica e na performance dos instrumentistas do Brasil. Paralelamente, se analisa a Surf Music, como o uso de escalas exóticas, a valorização da guitarra solo e a abordagem instrumental dançante, que também dialogam com imagéticas tropicais. A metodologia adotada é a etnomusicologia dialógica contendo análise comparativa de gravações, entrevistas semiestruturadas com agentes, bem como uma revisão bibliográfica sobre as origens e transformações desses gêneros musicais. Considera-se ainda a difusão desses estilos em ambientes urbanos, onde tanto a Surf Music quanto a Guitarrada se tornaram trilhas sonoras de manifestações culturais específicas. O estudo também investiga a recepção desses gêneros pelo público e sua ressignificação ao longo das décadas até os tempos atuais, demonstrando como ambos se consolidaram enquanto expressões artísticas.
GT 10- Caribe estendido no Brasil: Veredas sonoras
Surf Music; Guitarrada; Música Instrumental; Etnomusicologia Dialógica; Cena Musical
O SOM DA VISIBILIDADE: Gunga na marcação do caminhar e dos ritmos
Este artigo é um recorte da pesquisa em desenvolvimento de uma tese em filosofia. Nela, os caminhos percorridos têm conduzido a desdobramentos que desvelam meandros vivos e conexões a serem aprofundadas. A pesquisa de campo da tese envolve a observação e análise de algumas festas afro-brasileiras. Nas quais, um universo se abre e nos leva à reflexão por meio de vários elementos. Como: a riqueza da sonoridade de seus cânticos e instrumentos que ora se revezam, ora se sobrepõem num mesclado que enleva o nível da festa ao conduzi-la para dimensões de mundos diversos. Assim, um diálogo entre a etnomusicologia e a filosofia se faz presente através de uma fresta encontrada a partir de uma prática sonoro-musical em seu contexto cultural. Numa dinâmica em que passado histórico e presente coexistem em configurações distintas que refletem e influenciam uma identidade cultural. Além de trazer ressignificações que jogam luz para a dinâmica das adaptações e reinterpretações que criam futuros. Onde o protagonismo narra, ressignifica, como a presente na gunga, um instrumento musical associado ao Congado, ao Reinado, manifestações culturais afro-brasileiras, que em sua materialidade sonora simboliza e reverbera a transformação possível que impede um memoricídio através de novas circunstâncias da visibilidade e que serve de ponto de partida para este trabalho. As festas que fomentaram este artigo foi a da Irmandade de Nossa Senhora do Rosário do Jatobá – Belo Horizonte – Minas Gerais e a do Reinado de Nossa Senhora do Rosário de Carmópolis de Minas – Minas Gerais.
cultura; gunga; memória; ressignificação; visibilidade
O RENASCIMENTO DA MBIRA NO BRASIL CONTEMPORÂNEO
No presente artigo, tentamos registrar e analisar o ressurgimento no Brasil contemporâneo, dos lamelofones, família de instrumentos muito populares nos períodos Colonial e Imperial brasileiros até o final do século XIX, sob o nome genérico de “marimba”. Trata-se de um tipo de instrumento bastante difundido na África Subsaariana, conhecido por uma variedade de nomes: sanza, kisanji, karimba, kalimba, nsansi, malimba, mbira, etc. (ver SILVA 1995, RICCIARDI 2000, GALANTE 2015 e NASCIMENTO 2020). A mbira nyunganyuga, instrumento originário da região situada entre as margens do rio Zambezi e do rio Limpopo na África Austral, mais especificamente, do povo shona de Moçambique e Zimbabwe, hoje é o principal instrumento no movimento de revitalização dos lamelofones no país. Isto se deve a vários fatores: a existência de estudos sobre mbiras (TRACEY, BERLINER, TURINO, SILAMBO); fortes movimentos de revitalização das mbiras em Zimbabwe e Moçambique, que promoveram a sua disseminação internacional (SILAMBO, TURINO); intensificação da mobilidade acadêmica de estudantes brasileiros/as em Moçambique; um interesse crescente entre musicistas brasileiros/as em conhecer as tradições musicais africanas. Apresentarei minha própria trajetória de encontro com a mbira; os movimentos de revitalização da mbira no Sul do Continente Africano; workshops de mbira nyunganyunga, que pretendem divulgar essa cultura instrumental na Bahia, e alguns exemplos etnográficos de musicistas engajados na disseminação da mbira na tentativa de promover o resurgimento dos lamelofones no universo musical brasileiro, aos moldes de movimentos de Music Revivals (LIVINGSTON, 1999) e o conceito de "invenção da tradição" (HOBSBAWM; RANGER, 1983).
GT 9 - Das Tabancas de Cabo Verde aos Quilombos do Brasil: Transfluências, cosmopolíticas da musicalidade e modalidades de resistência no Atlântico Negro
Mbira; música africana; mbira nyunganyunga; lamelofones; renascimento musical
ETNOGRAFIAS SONORAS E FEMINISTAS: Levantamento inicial sobre festas, coletivos e produções bibliográficas sobre a cena eletrônica e a atuação de mulheres na Música Eletrônica de Pista (MEP) em Porto Alegre (RS)
Mulheres e pessoas LGBTQIAP+ desempenham papéis centrais na construção e consumo da cena de música eletrônica (Rossi, 2021). Contudo, a atuação de mulheres segue invisibilizada na produção acadêmica (Gavanas e Reitsamer, 2013). Este trabalho parte de duas lacunas: a ausência de registros históricos sobre essas agentes (Rodgers, 2010) e a escassez de pesquisas que reconheçam o DJing como prática musical (MacCutcheon, Greasley e Elliott, 2016). A primeira etapa consistiu em levantamento bibliográfico e leitura de trabalhos de conclusão de curso, dissertações, teses e livros sobre festas e produção de música eletrônica em Porto Alegre, visando construir um estado da arte e uma perspectiva historiográfica local. Paralelamente, realizou-se investigação netnográfica (Kozinets, 2021) para mapear festas, coletivos e DJs mulheres atuantes na cidade. Até o momento, foram identificadas 17 festas, 21 DJs mulheres, 3 coletivos e 1 livro, além de 8 trabalhos acadêmicos na UFRGS: 4 dissertações (educação musical, antropologia social, psicologia social e institucional) e 4 TCCs (ciências sociais, psicologia e música popular). Apenas um deles foca na produção feminina. Os dados confirmam a hipótese de escassez de documentação sobre a presença e contribuição das mulheres na cena eletrônica de Porto Alegre, evidenciando um apagamento histórico e artístico. Como próximos passos, propõe-se elaborar uma etnografia feminista (Koskoff, 2014) e musical (Seeger, 2008) dessas mulheres, com foco em repertórios, trajetórias e estratégias de resistência e criação de redes, buscando “novos olhares, novos focos, novas lentes para se contar a história” (Nogueira, 2017) da cena eletrônica do sul do Brasil.
RELAÇÕES ENTRE OS RITMOS DA JIKÁ AFROBRASILEIRA, DO BEMBÉ AFROCUBANO E DA ZAMACUECA AFROPERUANA: Fluxos migratórios, culturais e religiosos
Com o aumento das migrações internas na América Latina, principalmente entre Brasil e os países de fala hispana, os fluxos culturais têm ganhado mais ênfase. Esse tecido cultural, ao mesmo tempo que se enriquece e se reconhece próximo, também coloca em evidência processos históricos que levaram a certas diferenciações em como a música é dinamizada em cada cultura local, principalmente na sua intencionalidade e em relação com o sagrado. Tal movimento pode ser entendido e mapeado dentro da herança africana comum presente em América Latina e o Caribe. O objetivo desta comunicação oral é evidenciar as relações e contraposições de ritmos afro-peruanos, afro-cubanos e afro-brasileiros, na perspectiva musicológica e etnomusicológica, entre os ritmos jiká, o bembé e a zamacueca, para uma articulação sadia do fluxo cultural crescente devido ao aumento da migração de hispanos latino-americanos ao Brasil. A metodologia aplicada é de revisão de literatura e etnografia digital. A abordagem obedece à perspectiva da Etnomusicologia Dialógica, em contato com a Teologia. Como considerações finais, pode-se dizer que os ritmos mencionados têm estreita semelhança e são fruto de uma herança africana comum, mas seu uso e entendimento sacro-religioso apresentam diferenciações culturais e sociais que limitam o fluxo e que demandam atenção e direcionamento.
MICROTONS E BENDITOS EM DUAS FOLIAS DO DIVINO ESPÍRITO SANTO NOS SERTÕES DO PIAUÍ
Este artigo comenta elementos microtonais em Benditos (rezas cantadas) realizados em duas Folias do Divino Espírito Santo no estado do Piauí, Brasil: uma na comunidade Marmelada, em Gilbués (região do cerrado), e outra em Bonfim do Piauí (região da caatinga). As melodias analisadas resultam de pesquisas sobre performances de Benditos nos sertões do Piauí, conduzidas entre 2017 e 2025, que evidenciaram o reconhecimento coletivo dos microtons como componente integral dessas práticas musicais. Os microtons emergem como marcadores da importância dos Benditos, de sua antiguidade percebida e como indicadores de habilidade, memória e capacidade de imitação de rezadeiras e rezadores. A partir do uso de um alaúde de Istambul (lavta) e de empréstimos da música clássica turco-otomana (makam), as pesquisas foram capazes de identificar os microtons e de situar o lavta tanto como instrumento quanto como dispositivo experimental no contexto dos Benditos. Como uma forma de etnomusicologia aplicada, este trabalho sugere que uma abordagem limitada em escopo e de baixo processamento teórico pode oferecer contribuir para o incremento de acessibilidade em pesquisas experimentais entre culturas.
FRONTEIRAS LATINOAMERICANAS E OS PROGRAMAS ETNOMUSICOLÓGICOS MIDIÁTICOS: “TROPICANA MUSICAL: DÉJALA QUE SIGA Y NI LA PARES...”
Resumo: O A proposta visa realizar a divulgação cientifica midiática das pesquisas acadêmica e artística da música latino-americana que se produz no mundo a partir das gravações, catálogos, entrevistas e nos arquivos musicais de artistas, músicos, jornalistas e produtores. Essa discussão pretende ultrapassar as fronteiras latino-americanas utilizando a etnomusicologia midiática. Para isso analisa o programa musical de Rádio “Tropicana Musical: déjala que siga y no la pares... projeto do Etnomusicólogo, PITRE-VÁQUEZ (2019 - atual) que tem apoio do Grupo de Pesquisa e Laboratório em Etnomusicologia da Universidade Federal do Paraná/Universidade Federal de Pernambuco – GRUPETNOLAB. O programa foi ao ar, inicialmente em 02 de março de 2019, sábado de carnaval, na Rádio Paraná Educativa, 97.1 FM desde Curitiba, posteriormente, na Rádio USP FM (São Paulo e Ribeirão Preto), atualmente é veiculado na rádio Web “Música Maestro” da República Dominicana e na Rádio UDESC FM, Florianópolis, SC. Tropicana Musical, conquista de outro espaço radiofônico através da Radio Paulo Freire 820 AM, da Universidade Federal de Pernambuco - UFPE, desde Recife. Conta com a participação dos pesquisadores do GRUPETNO e independentes, e isso os estimula a efetuarem pesquisas dos diferentes gêneros, estilos, práticas musicais da América Latina. Esse processo tem a finalidade de difusão de pesquisas e experimentações metodológicas na área de Etnomusicologia dialógica aplicada.
GT 13- Práticas musicais nas fronteiras brasileiras: construções étnicas e identitárias
Programa musical de Rádio, Música Latino-americana, Tropicana Musical; Etnomusicologia Midiática.